Ein tiefer Einblick in das Erbe der Surrealisten von LA

Cameron, „Sebastian (Imaginary Portrait of Kenneth Anger)“ (1962), Tinte und Gouache auf Papier, 20 x 30 Zoll (alle Bilder mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Richard Telles Fine Art)

LOS ANGELES – Die offizielle Made in LA-Ausstellung findet im Hammer Museum statt, aber ein gelungener Kontrapunkt findet derzeit bei Richard Telles im Fairfax-Viertel statt. Made in LA, die dritte einer halbjährlichen Ausstellung im Museum, zeigt Künstler, die bereits hoch angesehen sind oder als aufstrebend gelten, während Telles eine historische Gruppenausstellung von LA-Surrealisten des 20. Jahrhunderts präsentiert, die in vielen Fällen , waren außerhalb ihres eigenen Kreises nie sonderlich bekannt. Kuratiert von Max Maslansky (selbst ein Made in LA-Absolvent von 2014), ist Tinseltown in the Rain ein tiefer Einblick in einen wichtigen Aspekt der Kunstgeschichte dieser Stadt, der unserer Gegenwart viel zu bieten hat.

Robert Williams, „Ernestine and the Venus of Polyethylene“ (1968), Öl auf Leinwand mit gemahlenen Fischschuppen-Highlights, 50,25 x 29,5 Zoll (zum Vergrößern anklicken)

„Made in LA“ umfasst viele Künstler, die sich insbesondere mit Los Angeles und seiner Filmindustrie befassen, am offensichtlichsten Daniel Smalls Ausgrabung von Cecil B. DeMilles zerstörtem Set für „Die Zehn Gebote“. Telles' kleine, konzentrierte Show zeigt, wie der Surrealismus Hollywood durchdrang, und präsentiert eine Auswahl von Videos, darunter Loony Tunes und Disney-Animationen, sowie Filme wie „Meshes of the Afternoon“ von Maya Deren und ihrem damaligen Ehemann Alexander Hammid. Oskar Fischingers synästhetisch-psychedelisches „Optisches Gedicht“ (1937) ist eine Stop-Motion-Animation aus farbenfrohen geometrischen Formen zur zweiten Ungarischen Rhapsodie von Franz Liszt. Es erinnert stark an frühe Spezialeffekte auf MTV und hat eine starke Verwandtschaft mit Kandinskys Verschmelzung von Musik und bildender Kunst. Maslanskys gut recherchierter Ausstellungsaufsatz erzählt, wie Walt Disney europäische Emigranten anheuerte, darunter auch Künstler in dieser Ausstellung, die das Erscheinungsbild des Unternehmens mit den surrealen Bildern, die sie vom Kontinent mitbrachten, prägten.

Im Videoraum sind hauptsächlich Fotografien zu sehen, von denen mir besonders William Leavitts „Random Selection: Bag, Glove, Fire, Mice“ (1969) gefallen hat, das aus drei Fotografien unabhängiger Gegenstände besteht, die so angeordnet sind, dass sie eigenartige Erzählungen andeuten – das mittlere Bild zeigt zwei ausgestopfte Mäuse, die scheinbar aus einer Papiertüte entkommen, zusammen mit zwei zum Leben erwachten Handschuhen, von denen eine seltsamerweise in Flammen aufgeht. Edmund Teskes zwei Bilder mit dem Titel „George Herms, Topanga Canyon“ (1962) zeigen Herms nackt im Chaparral wie benommen und amnesiert. Das einzige Gemälde in diesem Raum ist ein Meisterwerk von Robert Williams (der auch Kunst für Zap Comix gemacht hat): „Ernestine and the Venus of Polyethylene“ (1968), das eine nackte Frau zeigt, die unter einer hoch aufragenden roten Frauenstatue steht, von unten gesehen und mit einem Ballon versehen -ähnliche Form, die aus hochreflektierendem Edelstahl zu bestehen scheint. In diesem bizarren Bild nimmt Williams sowohl Jeff Koons als auch John Currin vorweg (Currin scheint die Figur ebenso von Williams wie von den van Eyck-Brüdern gelernt zu haben). Die beeindruckend glänzenden Akzente auf der Ballonfrau bestehen aus gemahlenen Fischschuppen, einem Material, von dem ich nicht erwartet hätte, dass es ein halbes Jahrhundert überlebt.

Installationsansicht von „Tinseltown in the Rain: The Surrealist Diaspora in Los Angeles 1935–1969“ bei Richard Telles, Los Angeles

Alle anderen Gemälde und Zeichnungen hängen in der Hauptgalerie an einer einzigen Wand, beginnend auf Augenhöhe und im Salonstil zur Decke aufsteigend. Ich fühlte mich, als wäre ich in Gertrude Steins Pariser Haus gegangen, was Spaß machte, obwohl ich beim Verlassen der Galerie ein Kribbeln im Nacken hatte (wir müssen für die Kunst leiden). An dieser Wand ist der Einfluss von Picasso deutlich zu erkennen, während einige andere Gemälde Dalí oder Klee nachempfunden sind. Die Arbeit in diesem Raum verdeutlicht, dass diese LA-Künstler, obwohl viele aus Europa stammten, nicht die Surrealisten Ihrer Mutter (oder Großmutter) waren. Sie werden zum Beispiel keine traumhaften Szenen à la Max Ernst finden, sondern stattdessen weniger bekannte Spielarten des Surrealismus, der aus den ursprünglichen Experimenten auf dem Kontinent hervorgegangen ist.

William Leavitt, „Random Selection: Bag, Glove, Fire, Mice“ (1969), einzigartige Schwarz-Weiß-Fotos (3 Teile), jeweils 15,5 x 19,5 Zoll (zum Vergrößern anklicken)

Camerons Werk ist mir mit seinem Hexengeheimnis im Gedächtnis geblieben. Ihre Tuschezeichnung „Sebastian (Imaginary Portrait of Kenneth Anger)“ (1962) zeigt Anger, ihren Ehemann, sowohl als Frau als auch als Mann, der mit der Erde verschmilzt, während ein Haus entweder auf oder hinter ihm steht. Ihre unbetitelte Zeichnung eines Dämons ist voller schwer fassbarer Energien. Cameron verbrannte ihre Arbeiten zeitweise aufopfernd, „nicht als symbolische Geste“, schreibt Maslansky, „sondern als Mittel, um Gottheiten zu erreichen.“ Noah Purifoy hat eine zertrümmerte Metallflasche in einem Holzrahmen, einfach und kraftvoll, mit dem treffenden Titel „Pressure“ (1966). Ein Assemblage-Stück von Ed Kienholz, „My Mother Was an Antique Table“ (ca. 1956), ist eine hohe rechteckige Platte, die nach oben hin von einem Halbkreis aus Dübeln durchbohrt ist, die von herabrieselnden Farbsträngen umgeben sind. Das Werk behält seine Kraft trotz der Fülle solcher Arbeiten seit Rauschenberg, ein Zeichen dafür, dass Kienholz einen enormen visuellen Instinkt hatte. Beatrice Woods Keramik-Flachrelief „Three Buttocks“ (ca. 1960er Jahre) ist genau das, was der Titel vermuten lässt, und passt auf einzigartige Weise zu unserem gegenwärtigen Moment in der amerikanischen Präsidentschaftspolitik, in dem die Aussagen unseres republikanischen Präsidentschaftskandidaten größtenteils wie Blähungen klingen. Ich erinnere mich an die Satire „Idiocracy“ von Mike Judge aus dem Jahr 2006, die sich den neuesten Erfolgsfilm als eine zweistündige Nahaufnahme von jemandem vorstellt, der regelmäßig in den Arsch furzt.

Warum jetzt den Surrealismus betrachten? Weit davon entfernt, eine Retro-Ausstellung zu sein, sprechen die Anliegen dieser Zeit von großer Dringlichkeit. Fünfzehn der ausgestellten Werke entstanden kurz vor oder während des Zweiten Weltkriegs, die übrigen entstanden zu einem Zeitpunkt, als die USA sich auf den gesellschaftlichen Umbruch der 1960er und 1970er Jahre vorbereiteten. Unser 21. Jahrhundert hat mit diesen beiden Epochen viel gemeinsam. Der Faschismus und die auf Hass basierende Politik erobern weltweit auf eine Art und Weise, die an die späten 1930er Jahre erinnert, und das soziale Gefüge der USA scheint zu schwächeln, da entrechtete Bevölkerungsgruppen überfällige Gerechtigkeit fordern. Es geht nicht darum, dass sich die Werke dieser Ausstellung mit diesen Themen befassen, sondern vielmehr darum, dass die tiefe Prämisse des Surrealismus eine überzeugende Antwort auf politischen Zwang, technokratische Autorität und Gewalt bietet. Das Surreale mit seinem irrationalen Herzschlag entzieht sich der Reichweite der Durchsetzung und schafft einen kleinen Raum für alternative Kulturen, ihre Geheimnisse zu flüstern.

Tinseltown im Regen: Die surrealistische Diaspora in Los Angeles 1935–1969 wird bis zum 13. August bei Richard Telles fortgesetzt.

Daniel Gerwin ist ein in Los Angeles lebender Künstler und Autor. Mehr von Daniel Gerwin